جیمز کامرون، نویسنده و کارگردان برنده جایزه اسکار و سازنده مجموعه‌ فیلم‌های ترمیناتور و تایتانیک، بیش از چهار سال درحال ساخت آواتار بوده است. آواتار یک فیلم علمی تخیلی سه‌بعدی است که حماسه‌ای را بر روی سیاره‌ای دیگر دنبال می‌کند.
“هنر آواتار” کتابی است در رابطه با این فیلم ماجراجویانه سه‌بعدی که فرآیند توسعه و هنر مفهومی استفاده‌شده توسط تیم خلاق این مجموعه، جهت ایجاد دنیای ابتکاری آواتار را بررسی می‌کند. این مجموعه با بیش از 100 تصویر منحصربه‌فرد تمام‌رنگی ازجمله طرح‌های اولیه، نقاشی‌های مات، طراحی‌ها و عکس‌هایی که در طول فیلم‌برداری گرفته شده‌اند، همراه است.
این کتاب فرآیند ایجاد مجموعه طراحی‌ها برای دورنماهای تخیلی، مناظر منحصربه‌فرد، صحنه‌های نبرد هوایی، شب‌های نورانی و موجودات خارق‌العاده را نشان می‌دهد.
مصاحبه با مدیران هنری، طراحان جلوه‌های ویژه، انیماتورها، طراحان لباس و خالق این موجودات عجیب باعث می‌شود تا این فرآیند خلاقانه را بهتر درک کنید.
“هنر آواتار” خواننده را به پشت صحنه این تجربه بی‌نظیر متحرک می‌برد.

این کتاب پرفروش، بازار روبه‌رشد مستند مستقل چینی که مسلما جسورانه‌ترین نقش را در فرهنگ بصری چینی امروز ایفا می‌کند را مورد بررسی قرار می‌دهد.
نویسندگان کتاب دو زمینه را که به ترتیب در مطالعات چینی و مطالعات فیلم از اهمیت خاصی برخوردارند، بررسی می‌کنند:
۱- فیلم‌برداری روزمره در قرن بیست‌و‌یکم چین، برای رقابت در پیش‌نمایش و تنوع در سلیقه‌ها
۲- جستجوی زیبایی‌شناسی و اهمیت یادآوری آن در تجربه‌ای مستندگونه که توجه خاصی به هنرمندان دارد و شور و شعف مخاطبان را با به‌تصویرکشیدن تجربیات و محیط پیرامون آن برمی‌انگیزد. کتاب پیش‌رو با برجسته‌سازی رقابت در صنعت مستندسازی در چین علت cacophony of expressions که بخشی از آن شامل مقابله با طبقه ممتاز سلطه‌جوی این صنعت و بخش دیگر آن که تاکید بر مذاکره میان خود فیلم‌سازان مستقل است را کند‌و‌کاو می‌کند.
هدف نویسندگان ایجاد حرکتی برمبنای تحمیل یک حقیقت واحد نیست٬ بلکه ایجاد یک حرکت پویا و خلاقانه است که اجتماعی از تفاوت‌ها را پرورش می‌دهد و از نظرات متفاوت استقبال می‌کند.
مستند مستقل به معنای واقعی هدفی متحرک است، که زمانی که به حیطه کارگردانان٬ موضوعات زیبایی شناسی٬ موضوعات انسانی٬ مخاطبان و مرحله تاثیر‌گذاری می‌رسد باعث پیشرفت و گستردگی تنوع می‌شود.
نویسندگان کتاب، بر پتانسیل بسیار بالای تولیدات فرهنگی تاکید می‌کنند که ویژگی‌های غیر‌حرفه‌ای‌ها و آماتورها را در‌بر‌می‌گیرد و مستندهایی چون روز‌مرگی، جزئی‌نگری، عامه مردم، به ظاهر ملال‌آور و ظاهرا حاشیه‌ای را مورد تحلیل و بررسی قرار‌ می‌دهند.
کتاب پیش رو بر مسائل جامعه فعلی تاکید می‌کند و انتظار می‌رود بحث‌های پیرامون تحقیقات در حیطه زیبایی‌شناسی آن٬ برای خوانندگان علاقمند به فرهنگ٬ رسانه٬ سیاست و جامعه چینی جالب توجه باشد.

فیلم، یک نوع هنر، با زبان و زیبایی خاص خود می‌باشد. کتاب هنر فیلم David Bordwell وKristin Thompson، از سال 1979، پرفروش‌ترین و قابل احترام‌ترین معرفی در زمینه تجزیه و تحلیل سینما می‌باشد.
نویسندگان کتاب با به‌کارگیری رویکرد مهارت‌محور که با نمونه‌هایی از عصر‌ها و کشورهای متعدد پشتیبانی شده است، به فراگیران در توسعه مجموعه اصلی مهارت‌های تحلیلی‌شان کمک می‌کنند که درک آن‌ها از هر فیلم در هر ژانری را گسترش می‌دهد.
نمونه‌های جامع، درک فراگیران را نسبت به اینگه چگونه انتخاب‌های خلاقانه فیلم‌سازان، بر آنچه بینندگان تجربه می‌کنند و نحوه واکنش ‌آن‌ها تاثیر می‌گذارد، عمق می‌بخشند. این کتاب، با بیش از 1000 قاب بزرگ که مستقیما برگرفته از فیلم‌های به‌ اتمام‌رسیده می‌باشند و با ارائه تصاویر عینی از مفاهیم کلیدی، به‌ تصویر کشیده شده‌ است.
ویرایش یازدهم کتاب هنر فیلم، به‌همراه نمونه‌های به‌روز و پوشش گسترش‌یافته از فیلم‌سازی دیجیتال، کتاب هوشمندی را ارائه می‌دهد که اولین و تنها تجربه مطالعه تطبیقی حال حاضر می‌باشد و برای کمک به فراگیران جهت متمرکز‌ماندن، افزایش زمان مطالعه و حفظ مفاهیم اساسی، طراحی شده است.

کتاب نورپردازی برای انیمیشن با یک هدف در ذهن طراحی شده است و آن هم تبدیل‌کردن شما به یک هنرمند بهتر می‌باشد. Jasmine Katatikarn و Michael Tanzillo در سرتاسر کتاب، چشم‌های شما را برای آنالیز انتقادی‌تر آثار خود، تقویت می‌کنند و به شما روش‌ها و تکنیک‌های لازم برای بهبود حرفه‌تان را آموزش می‌دهند. این کتاب با تمرکز بر فلسفه‌ اصلی و مفاهیم کلیدی مورد استفاده توسط متخصصان این صنعت، بنیادی محکم برای یک حرفه موفق به عنوان یک هنرمند نورپرداز در جلوه‌های بصری و انیمیشن کامپیوتری می‌سازد.
در کتاب حاضر، دستورالعمل‌های دقیقی در زمینه ایجاد حال و هوا و داستان‌سرایی از طریق نور، استفاده از نور برای شکل‌دهی تصویری، هدایت چشم بیننده با نور و رنگ، جمع‌آوری و استفاده از تصاویر مرجع، نورپردازی موفق و گردش کار رندرینگ، رندرکردن لایه‌ها و طریقه استفاده از آن‌ها در جهت تاثیرگذاری بیشتر، مفاهیم خاص نورپردازی شامل نورپردازی شخصیت، نورپردازی محیط زیست و نورپردازی یک دنباله متحرک، خواص مواد و کار آن‌ها با نور و تکنیک‌های ترکیب‌بندی ضروری برای یک نورپرداز را پیدا خواهید کرد.
این کتاب بری آموزش بسته‌های نرم‌افزاری طراحی نشده است، چنین آموزش‌هایی در وب‌سایت‌ها، رسانه‌های آموزشی، دموهای آنلاین و دوره‌های آموزشی سنتی موجود، نحوه پیاده‌سازی برنامه‌های کامپیوتری خاصی را آموزش می‌دهند. این سبک آموزشی، نحوه ساخت یک عکس را آموزش خواهد داد اما کتاب نورپردازی برای انیمیشن به شما مهارت‌های فنی مورد نیاز برای ایجاد تصاویر زیباتر را آموزش می‌دهد و به شما کمک خواهد کرد تا به عنوان یک هنرمند نورپرداز حرفه خود را برای دستیابی به موفقیت، آغاز کنید.

جای صدا در فیلم کجاست؟
زمانی که دیگران بر روی فیلم‌های هالیوودی تمرکز می‌کنند، این کتاب در نظر دارد تا این حوزه را با دیگر سینماهای سرتاسر دنیا، ازجمله آمریکای لاتین، آسیا و آفریقا توسعه دهد.
محاسبات نظری سنتی، براساس سینمای روایی کلاسیک،‌ اهمیت صدا را با توجه بر تطابق ایده‌آل میان تصاویر و جلوه‌های صوتی بررسی می‌کنند، اما فصل‌های این کتاب نشان می‌دهند که چه اصولی در یک صنعت فیلم ممکن است نتوانند برای دیگری قابل استفاده باشند.
شیوه‌های گسترده دوبله، صدابرداری بعد از فیلم‌برداری و “آواز متن فیلم” در بعضی کشورها، برای مثال یک روش جایگزین از درک محل صدا در موسیقی متن فیلم ارائه می‌دهند. کتاب حاضر به واسطه هفده فصل اصلی، صدا را براساس طیف گسترده‌ای از موقعیت‌‌های فرهنگی، ملی و فراملی در فیلم جایگذاری می‌کند و مطالعاتی را ارائه می‌دهد که مطالعات سنتی صدا در فیلم را به روش‌های هیجان‌انگیز جدید به چالش می‌کشد.

Justin Remes با کتاب «تصاویر (بی)حرکت» اولین مطالعه جامع از فیلم‌هایی که حرکت نمی‌کنند؛ اولویت حرکت در سینما و ارزیابی محدودیت‌های نظری زیبایی‌شناسی و ارائه را به چالش می‌کشد.
او بامطالعه فیلم‌های تجربی مانند Andy Warhol’s Empire (1964)، the Fluxus work Disappearing Music for Face (1956)، Michael Snow’s So Is This (1982) و Derek Jarman’s Blue (1993) نشان می‌دهد که چطور فیلم‌های ساکن، فضای استاتیک را به نمایش می‌گذارند درحالیکه مرز‌های میان سینما، عکاسی، نقاشی و ادبیات را ازبین می‌برند. در این کتاب چهار دسته از فیلم‌های استاتیک ازجمله فیلم‌های furniture، فیلم‌های protracted، فیلم‌های textual و فیلم های monochrome بررسی می‌شود.
همچنین Remes روابط متقابل میان حرکت، سکون و مدت‌زمان و سختی‌ آن‌ها در عملکرد و اثرات متداول سینما را به نمایش می‌کشد.

Adam Leipzig رییس پیشین فیلم‌های نشنال جئوگرافیک و Barry Weiss رییس سابق انیمیشن در سونی پیکچرز به‌همراه Michael Goldman روزنامه‌نگار برجسته و متخصص صنعت فیلم‌سازی با داستان‌سرایی و همکاری در کتاب «فیلم‌سازی در عمل» به‌عنوان اصول اصلی کار، دانشجویان را ازطریق مهارت‌ها و هنر ساخت فیلم و ویدئو هدایت می‌کنند.
فیلم‌سازان تازه‌وارد با دسترسی بی‌نظیر به آگاه‌ترین و موفق‌ترین متخصصان این صنعت، تکنیک‌ها را از بهترین‌ها یاد خواهند گرفت. این کتاب جامع که مفاهیم فیلم‌سازی را از ابتدا تا انتها دربردارد؛ کتابی است که یک دانشجو سال‌های سال آن را حفظ خواهد کرد.
کتاب موجود موضوعات مهمی همچون فیلمنامه، کارگردانی، طراحی، تولید، صدا، نورپردازی، ویرایش، افکت‌ها، انیمیشین، بازاریابی، فرصت‌های شغلی، همگی را پوشش می‌دهد.

اولین شماره از فصلنامه هالیوود، در ماه اکتبر سال 1945، به عنوان ژورنالی ظاهر شد که شاخص‌ترین، موفق‌ترین و به طور منظم چاپ شده در نوع خود در ایالات متحده است. در تمام عمر آن، فصلنامه به آرمانگرایی چپ‌گرای بنیان‌گذاران آن که چند تن از آنها بعدها در لیست سیاه قرار گرفتند، همراه شد. این ژورنال، مجموعه‌ای از نویسندگان بی‌همتا در زمینه مطالعات فیلم در آمریکای شمالی را برای بخاطر ناهمگونی نگرانی‌های فکری و عملکردی خود از فیلم، رادیو و کارکنان و دانشگاهیان صنعت تلویزیون، گرد هم آورده است.